Karla Murthy es una productora nominada al premio Emmy. Comenzó su carrera trabajando para el veterano periodista Bill Moyers, y ha sido productora, camarógrafo y corresponsal de varias revistas de noticias de PBS durante los últimos 15 años. Ella es de ascendencia filipina y del sur de Asia. “The Place That Makes Us” marca su debut como directora.
“The Place That Makes Us” se estrenará el 30 de marzo en WORLD Channel, WORLDChannel.org y la aplicación PBS.
W&H: Descríbanos la película con sus propias palabras.
KM: “The Place That Makes Us” es mi primer largometraje documental. Es un retrato de Youngstown, Ohio, una ciudad postindustrial por excelencia vista a través de las vidas de jóvenes líderes comunitarios que luchan por salvar su ciudad natal con dedicación, determinación y amor.
Mientras lo hacía, la película se convirtió en una meditación sobre el hogar y el sueño americano, la resiliencia y lo que se necesita para revitalizar una comunidad de adentro hacia afuera.
W&H: ¿Qué le atrajo de esta historia?
KM: Vine por primera vez a Youngstown como reportera en 2016 para hacer una noticia sobre los esfuerzos de revitalización allí. Después del colapso de la industria del acero en la década de 1970, la población de Youngstown se desplomó y la infraestructura se arruinó. La ciudad se definió por el desempleo, la pobreza y la violencia. Pero entre toda esa decadencia estaba un vibrante esfuerzo de revitalización dirigido por jóvenes que nacieron y se criaron en Youngstown. Muchos de ellos tuvieron la oportunidad de mudarse a otro lugar, pero habían optado por quedarse y hacer este trabajo. Y esa fue una historia diferente de la tendencia de la “fuga de cerebros” que esperaba ver allí.
También me intrigaba el trabajo que estaban haciendo: rehabilitar casas vacías y arruinadas en toda la ciudad. En ese viaje de reportaje inicial, filmé algunas casas en diferentes etapas de renovación. Cuando entras por primera vez en estas casas vacías, es realmente desgarrador. A menudo están llenos de pertenencias familiares que se dejaron atrás. Hay tanto dolor y pérdida.
Esas casas son tan emblemáticas de lo que sucedió en las ciudades del Medio Oeste postindustrial. Me atrajo la idea de que seguir una casa desocupada y arruinada mientras se transformaba en una casa familiar llena de vida nuevamente podría ser una gran columna vertebral para una película.
W&H: ¿En qué quiere que la gente piense después de ver la película?
KM: Tenía muchas ganas de hacer una película que fuera inspiradora y esperanzadora, a pesar de todos los desafíos que enfrentan comunidades como Youngstown. Es tan fácil sentirse abrumado y hastiado por todo lo que está sucediendo en el país y el mundo, y quería mostrarle a la gente que todavía hay trabajo por hacer y que hay progreso que se puede hacer, incluso si solo se está rehabilitando. una casa, o ayudar a un vecino, o ser mentor de un niño.
Todo eso es un progreso e increíblemente valioso, y quería arrojar luz sobre esos esfuerzos y levantarlos.
W&H: ¿Cuál fue el mayor desafío al realizar la película?
KM: Definitivamente, el mayor desafío fue la financiación. Hay tantos cineastas de documentales increíbles y todos competimos por los mismos fondos. Todo el mundo te dice que no te lo tomes como algo personal cada vez que te rechazan, pero es difícil seguir adelante.
Hacer malabarismos con la falta de fondos con los desafíos de filmar, editar y crear la historia fue abrumador y desalentador en ocasiones. Pasé muchas noches sin dormir preocupándome de que toda la energía y el corazón que estaba poniendo en este proyecto terminaran siendo en vano. Pero aprendí a profundizar, a tener fe y a seguir adelante. Y una vez que una puerta finalmente se abrió, otras comenzaron a abrirse también.
W&H: ¿Cómo consiguió la financiación de su película? Comparta algunas ideas sobre cómo se hizo la película.
KM: Hicimos esta película con un presupuesto muy ajustado. No me pagué a mí mismo y me consideraré afortunado de alcanzar el punto de equilibrio. No estoy recomendando mi modelo financiero o la falta del mismo a ningún cineasta.
El equipo estaba compuesto por mí y Alexandra Nikolchev, mi increíble socia de producción y directora de fotografía. Los dos alquilaríamos un automóvil y conduciríamos seis horas y media desde Nueva York hasta Youngstown. Hicimos eso más de una docena de veces durante los tres años del curso. Estimamos que cada rodaje nos costó alrededor de $ 6,000 en gastos y por el tiempo de Alexandra como directora de fotografía.
Y luego les pedimos a amigos y familiares que donaran y “patrocinaran” una sesión. Finalmente, recibimos dos subvenciones que fueron enormemente beneficiosas y nos ayudaron a contratar a nuestra increíble editora, Kristen Nutile, y a pagar la licencia de material de archivo.
Pero la mayor parte del dinero que recaudamos para la película fueron donaciones privadas de personas que conocimos que tienen una conexión con Youngstown y con nuestra historia, y de amigos y familiares.
W&H: ¿Qué te inspiró a convertirte en cineasta?
KM: Ha sido un camino gradual y sinuoso. Al crecer, quería ser un pianista clásico, pero en algún momento me di cuenta de que no era lo suficientemente bueno para hacerlo profesionalmente. Comencé la universidad como estudiante de matemáticas, pero me desilusioné al pasar ocho horas resolviendo un solo problema, así que cambié de carrera y estudié religión. Me encantó aprender cómo se desarrolla y evoluciona una religión en un solo lugar, y cómo eso moldea o es moldeado por las fuerzas de la política, el arte, el poder, etc. Y la religión es la narración en su esencia: las historias que contamos sobre nosotros mismos.
Al mismo tiempo, mi mejor amigo en la universidad y yo comenzamos a hacer videos cortos junto con el equipo obsoleto que tenían en nuestra escuela, principalmente por diversión. Me atrajo la forma visual y el ritmo de la edición, pero no creo que alguna vez consideré seriamente la realización de documentales como una carrera hasta que escribí mi tesis sobre las comunidades del sur de Asia en Seattle. Mi profesor me animó a publicarlo, pero se me ocurrió que haría un mejor documental.
Cuando me gradué de la universidad, comencé a hacer diseño gráfico y web para pagar las facturas. No podía permitirme ir a la escuela de cine o de periodismo, así que tomaba clases de cine siempre que podía. Y seguí haciendo pequeños videos. Cuando finalmente me ofrecieron un trabajo para trabajar como PA para la compañía de producción de Bill Moyers, aproveché la oportunidad y nunca miré hacia atrás.
W&H: ¿Cuál es el mejor y el peor consejo que ha recibido?
KM: ¡Esta es una pregunta difícil de responder porque he recibido un gran consejo! Pero aquí hay un ejemplo. Durante mucho tiempo, nuestra película se llamó “Youngstown USA”. Un ex colega vio mi película y dijo que el título realmente no encaja en el corazón de lo que había hecho. Te prepara para ver una película diferente. Me sugirió que diera un paso atrás, mirara la película de nuevo, y realmente pensara en la película a un nivel emocional y universal y vea lo que me viene a la mente. ¡Estoy tan contenta de haberlo hecho porque tenía toda la razón!
De hecho, creo que no existen los malos consejos. Puede ser una solución inútil, pero apunta o revela un problema. Una vez que averigüe cuál es ese problema, el desafío será encontrar la solución correcta.
W&H: ¿Qué consejo le daría a otras directoras?
KM: Esta es mi primera película. Hubo una gran curva de aprendizaje y me sentí muy solo. Ojalá hubiera llegado antes a otras mujeres que hacen películas. Una vez que lo hice, desmitificó este proceso y me hizo sentir como parte de una comunidad.
También creo que todos deben aceptar que las mujeres a veces se mueven por el mundo de manera diferente a los hombres. Una vez le pedí consejo a un amigo cineasta y me dijo que entrara a la habitación y “moviera mi pene”. Yo estaba como, “Número uno, no tengo pene, y número dos, simplemente no es lo que soy”. Entiendo lo que estaba tratando de decir, pero no creo que tenga que exudar ese tipo de bravuconería para conseguir lo que quiero.
Animaría a las mujeres a ser quienes son, fieles a sí mismas, fieles a su visión, a confiar en sus instintos como mujeres y a saber que hay muchos caminos para hacer la película que quieres hacer.
W&H: Nombra tu película favorita dirigida por mujeres y por qué.
KM: “Bombay Beach” de Alma Har’el es uno de mis documentales favoritos de todos los tiempos. Es tan hermoso de muchas maneras. Es inesperado y sorprendente, y tiene mucha compasión y amor por la gente de la película.
W&H: ¿Cómo se está adaptando a la vida durante la pandemia de COVID-19? ¿Sigues siendo creativo y, de ser así, cómo?
KM: Ha sido muy difícil, como lo ha sido para todos. Durante el último año, mi enfoque ha sido mantener a todos en mi familia seguros, cuerdos, alimentados, conectados a una escuela remota y la casa relativamente limpia. Es difícil estar en modo creativo cuando estás en modo supervivencia.
Nuestro trabajo también requiere una cierta cantidad de tiempo ininterrumpido para que fluyan las ideas y el trabajo. Y simplemente no tuve ese tiempo. Solo en los últimos meses he podido volver a pensar de manera más creativa, y ha sido una sensación increíble. Tal vez sea ver azafranes asomando y la burla de un día de primavera inusualmente cálido y soleado, pero estoy emocionado por el futuro y por comenzar algo nuevo nuevamente.
W&H: La industria del cine tiene una larga historia de subrepresentación de personas de color en la pantalla y detrás de escena y de reforzar y crear estereotipos negativos. ¿Qué acciones crees que se deben tomar para que Hollywood y / o el mundo de la documentación sean más inclusivos?
KM: Creo que el mundo del cine tiene que diversificar los guardianes, las personas que apoyan, financian y adquieren películas. En lo que respecta a la pantalla, algo que trato de hacer, pero no lo suficiente, es tomar más tiempo en el casting para estar atento y no solo buscar a los sospechosos habituales.
Por ejemplo, produje una noticia en televisión sobre la financiación de las ciencias, y todos los científicos que entrevisté para el artículo eran mujeres, excepto la directora de los NIH. [National Institutes of Health]. También produje un segmento sobre el cuidado de la salud a largo plazo y la carga de los cuidadores. La familia en el centro de la historia era una pareja gay. Creo que puede requerir un poco más de esfuerzo, pero hace mucho en términos de cambiar las percepciones del público.