‘West Side Story’ de Steven Spielberg es un remake entusiasta de un clásico de Broadway

Desde el comienzo de Steven Spielberg West Side Story, este soberbio cineasta distingue su espectacular remake de su clásico antecesor, y lo hace con suciedad. El familiar silbido de la obertura suena en un tranquilo sitio de construcción, donde los escombros y las ruinas dan pistas sobre los edificios de apartamentos que alguna vez estuvieron allí. De entre los escombros emergen los Jets, una pandilla de chicos blancos que luchan, pero apuestos, que se enfrentarán a la igualmente apresurada pandilla puertorriqueña, los Sharks, sobre este territorio. Pero una simple toma de arquitectura sugiere cuán inútil será su lucha. Con un marco de gentrificación, el director Spielberg y el aclamado guionista Tony Kushner le dan a este drama de época otra capa de tragedia que es dolorosamente atemporal. Y esta es solo la primera de muchas magníficas innovaciones en un remake verdaderamente inspirado.

No es que hubiera nada incorrecto con la versión de 1961 o el musical de 1957 en el que se basa. Siguiendo la tradición del teatro, Spielberg y Kushner entendieron que no es suficiente traer de vuelta el libro y las canciones con un elenco nuevo y brillante (¡incluso si es uno que realmente tiene talento latino en los papeles de puertorriqueños!). fue una oportunidad para reimaginar una historia clásica de una manera que honra lo que vino antes, pero también brinda al público una nueva perspectiva. Así que volvamos a ese sitio de construcción: un corte astuto de una valla publicitaria de “próximamente” revela que esta gran cantidad de suciedad dará lugar al Lincoln Center of the Performing Arts, donde, inteligentemente, la película se proyectó para los críticos. Entonces, sentado en uno de los cines del Lincoln Center, me di cuenta tangiblemente de cómo estos neoyorquinos empobrecidos se peleaban entre sí, cuando la verdadera amenaza para su vecindario eran los desarrolladores adinerados que los expulsarían, sin importar quién ganara la pelea. Kushner enfatiza este punto a través del sarcástico teniente Schrank (Corey Stoll), un policía racista que gruñe a los Sharks y luego se burla de los Jets por ser “el último de los caucásicos que no pueden hacer”. Él interrumpe sus peleas, pero insta a la falta de armonía mientras sonríe sobre la próxima “limpieza de los barrios marginales”.

Estos pequeños toques ponen en juego una sensación de fatalidad, tal vez incluso si no conoces esta obra (o si está basada en la obra de William Shakespeare). Romeo y Julieta.) La suciedad se esparce a lo largo de la película, un presagio de un vecindario que se deshace incluso mientras intenta reconstruirse. Donde la versión de 1961 pintó Nueva York con una floritura impresionista, el Upper West Side de Spielberg está más arraigado, pasando de polvorientos apartamentos en el sótano a bulliciosas aceras que se derraman más allá de los escaparates bañados por el sol y en calles abarrotadas. Un muelle podrido lleno de agujeros aumenta la tensión en “Cool”, mientras los Jets se balancean y esquivan estas trampas mientras bailan. El barro de la decadencia urbana marca a las bandas, cuyos brazos y rostros están manchados de pintura, suciedad y sangre incluso antes del final del primer número.

Toda esta suciedad hace de María un contraste brillante desde su primer fotograma. La recién llegada Rachel Zegler se encuentra en una escalera de incendios con un impecable vestido blanco y su rostro brillante es un faro en el estrecho callejón. Coincidiendo con su vibra está el chico guapo Ansel Elgort como Tony, cuya piel impecable y sonrisa fácil esconden el oscuro pasado del ex alumno de los Jets. El asombro que Speilberg ha canalizado durante mucho tiempo a través del asombro infantil hacia los extraterrestres amistosos, los místicos McGuffins y los tiburones salvajes (como los animales reales) se canaliza aquí hacia el asombro de ojos abiertos del amor joven. Cuando Tony y Maria están juntos, su mundo es literalmente deslumbrante, gracias en parte a la cinematografía de Janusz Kaminski, que adora un destello de lente para traer una sensación de luz de las estrellas a los gimnasios o las calles de la ciudad. Una secuencia de citas ambientada en los Claustros resulta una adición inspirada, que les da a Tony y María un respiro de las peleas y la inmundicia de su vecindario. También les otorga un espacio que coincide con la pura belleza de su amor. Esto no quiere decir que el resto de la película sea feo. Seguro, hay miseria. Pero es la miseria de Spielberg.

West Side Story está llena de color, en sus apartamentos delicadamente detallados, escenas nocturnas iluminadas por el vivo resplandor de los letreros de neón de las tiendas y disfraces que estallan con florituras reflexivas. La suciedad no es solo un telón de fondo, sino que se levanta como parte de la coreografía como si fuera una pareja de baile. Una puesta en escena impecable convierte el piso de concreto de un almacén en una especie de escenario de marionetas de sombras, donde las largas sombras de dos pandillas que se acercan se asemejan a un conjunto de mandíbulas con colmillos, dibujadas horriblemente cerradas. Incluso la icónica escena del balcón se reconsidera para que el muy alto Elgort no se eleve (potencialmente intimidante) sobre el diminuto y delicado Zegler. Un bloqueo tan reflexivo le da a María un papel más importante en este incipiente romance.

Los cambios sutiles pero inteligentes en todo momento dan a los personajes femeninos un mayor sentido de autonomía: una escena silenciosa de Anita visitando la morgue, una desafiante Graziella (Paloma García-Lee) empujando a los Jets en represalia violenta, y la transformación del papel de Doc. re-imaginado para incluir a Rita Moreno, quien ganó un premio de la Academia por interpretar a Anita en el original West Side Story película. Esta vez, ella es Valentina, la viuda de Doc y la confidente de Tony, que tiene un conocimiento íntimo del romance interracial en este vecindario. Este cambio particularmente inspirado está marcado por la interpretación de Valetina en “Somewhere”. Esta canción de esperanza y arrepentimiento se interpreta con tanta ternura que ya está generando entusiasmo por los Oscar. Y ella no está sola.

Rachel Zegler es una revelación. Su voz no solo es hermosa, sino que también tiene tanto peso emocional que todas sus canciones son un golpe de gracia. Sus ojos oscuros brillan y nos atraen al éxtasis del enamoramiento. Radiante en primer plano, ella soporta la vertiginosa historia de amor con aplomo y asombrosa presencia en la pantalla. Sin embargo, Ariana DeBose puede haber tenido el papel más complicado como Anita, un personaje que habla rápido, es divertido, feroz y, en última instancia, soporta una angustia horrible. Además de todo eso, DeBose tiene que interpretar el papel frente a la leyenda viviente que lo originó en la pantalla hace 60 años. Todo este desafío, pero DeBose es divino. A principios de este año, esta seductora triple amenaza se destacó como la encantadora maestra de escuela en Schmigadoon!, pero con West Side Story DeBose demuestra que es una estrella. En “América” ​​explota con energía y carisma, dejando caer púas con una sonrisa sexy y agitando su falda con precisión juguetona. En las escenas domésticas, ella es una figura materna (o enfermera) para María, devota pero también comprensiblemente frustrada. Luego, ese acto final. Su sonrisa se rompe, sus ojos se llenan de lágrimas y rabia, es devastadora y cautivadora. Literalmente sentí escalofríos al ver la última batalla de Anita.

David Alvarez tiene una química crepitante con DeBose como su Bernardo. Suavemente mezcla la dulzura de la hermana María con una pasión protectora y un machismo fascinante. Además, él, Zegler, DeBose y otros Sharks, actúan en dos idiomas. Sus personajes se deslizan del inglés al español y viceversa a lo largo de la película, dando un reflejo más profundo de la cultura inmigrante puertorriqueña. En un movimiento que podría traer algunos problemas, Spielberg no proporciona subtítulos. Quizás sintió que los subtítulos serían diferentes, lo que sugiere que esta película está destinada a un público que no entiende español. Quizás sintió que no era necesario, ya que las pistas del contexto son suficientes para comunicar el significado en estas escenas de diálogo. Quizás le preocupaba que los subtítulos pudieran distraer la atención de las fantásticas imágenes de la película. Cualesquiera que fueran las razones de Spielberg, tenía razón. Yo no hablo español No tuve ningún problema para seguir las escenas, incluso si no podía seguir cada línea de diálogo. Es probable que conocer la trama sea de ayuda. Pero las actuaciones aquí no exigen eso “barrera de una pulgada de alto” Sera entendido.

Podría seguir y seguir celebrando este espectacular conjunto. Pero se debe prestar especial atención a Mike Faist, quien es absolutamente fascinante como Riff. Desde su primera sonrisa torcida, Faist encapsula una marca distintiva del machismo neoyorquino. Es enjuto, volátil, pero suave como la pomada. Con un vivo acento de New Yawk, es sabio sin miedo. Sin embargo, hay una vulnerabilidad que destella en sus ojos, especialmente cuando habla con Tony. Son más que Jets, tal vez más que hermanos “de la matriz a la tumba”. Por la forma en que Faist interpreta el papel, creo que Riff está enamorado de Tony. Entonces, el estruendo y el rechazo de Tony (para María) son mucho más que el dominio de las pandillas para Riff. El intento de Tony de sofocar la pelea es mucho más profundo que una navaja. A través de esta lente, ese abrazo final entre los dos está recién destripado.

Como Tony, Ansel Elgort está … también en esta película. Tiene una cara bonita y una voz bonita y es un bailarín elegante. Y sin embargo, el Conductor de bebé estrella no coincide con el nivel de este conjunto de menos conocidos. Si están tocando en Broadway, está en una producción de la escuela secundaria. No esta mal. Está agresivamente bien. Simplemente no es espectacular. Elgort puede hacer Cara de Spielberg, pero hay algo que falta en sus ojos. En lugar de estar sinceramente asombrado, parece que está posando. Su casting se siente como una nota mal interpretada. De lo contrario, sin embargo, West Side Story es extasiado.

Es un cliché decir de una gran película “por eso vamos al cine”. Pero … Por eso vamos al cine.

El sofisticado guión adaptado del galardonado dramaturgo Tony Kushner profundiza el desarrollo del personaje y enmarca la batalla central contra un telón de fondo siniestro desde su primer momento. Steven Spielberg está en la cima de su juego, ofreciendo una maravilla musical que rebosa emoción y esplendor visual. Las canciones son hermosas como siempre. Los números de baile son asombrosos, no solo por el talento de sus intérpretes, sino también por una sinergia sublime de cinematografía y edición que realmente disfruta con el movimiento de la cámara y el sujeto. Se desvanecen los cortes rápidos y frenéticos y los primeros planos que cortan las extremidades exquisitamente extendidas de una bailarina. Aquí, los cortes son perfectos y espléndidos.

Es un cliché decir de una gran película “por eso vamos al cine”. Pero cuando el teatro palpita con una canción entusiasta, el público queda fascinado por una actuación que hace estrellas y su cuerpo se llena de escalofríos por el poder sublime del cine, ¿qué más puede decir? Esta es por qué vamos al cine.

West Side Story se estrena en cines el 10 de diciembre.