Amanda Kim es una directora y productora coreana estadounidense. Ex directora creativa de Vice Media, dirigió la dirección de videos de EE. UU. para las revistas iD, Creators y Garage. Kim también trabajó en Viceland, el canal de televisión de Vice, como productora creativa en una incubadora experimental donde dirigió un equipo de producción para probar pilotos y formatos de contenido innovadores.
“Nam June Paik: Moon Is the Oldest TV” se proyectará en el Festival de Cine de Sundance 2023, que se realizará del 19 al 29 de enero.
W&H: Descríbanos la película con sus propias palabras.
AK: Es una historia lúdica y emotiva sobre la odisea artística y personal del videoartista Nam June Paik.
Aunque es más conocido como el padre del videoarte, la película se centra en las palabras de Nam June que lo siguen en su viaje de este a oeste y su descubrimiento y deseo de usar el video y la televisión como herramienta artística. Experimentó de primera mano las formas en que se usaba la tecnología para amplificar la división ideológica, dividiendo a su país y obligándolo a abandonar su país de origen.
A través del videoarte, investigó las formas en que la tecnología podría usarse para una mejor comunicación y conexión global en lugar de división. Creó un Esperanto electrónico a través de su videoarte, una nueva forma de comunicarse con el mundo.
W&H: ¿Qué le atrajo de esta historia?
AK: Me atrajo la historia de Nam June debido a mi propia experiencia itinerante como coreano que creció en Japón y luego se mudó al oeste. Me relacioné con su vida nómada y su identidad multicultural. Él no veía el mundo en términos de blanco o negro, sino como un híbrido y realmente me incliné hacia esa perspectiva. Es inspirador y refrescante en un momento en que todo parece estar categorizado en términos binarios.
También tenía curiosidad por su trabajo, que está lleno de humor y te deja con preguntas. Quería aprender más y descubrí las capas de su arte.
W&H: ¿En qué quiere que piense la gente después de ver la película?
AK: Espero que la gente sienta la necesidad de cuestionar y desafiar el mundo que nos rodea y las tecnologías que se han vuelto tan omnipresentes. Espero que la gente se sienta esperanzada con las posibilidades que aún tenemos por descubrir.
Espero que la gente sienta la alegría y el humor que Nam June trajo al mundo a través de su presencia y trabajo. Espero que la gente sienta el poder del arte como medio de comunicación e investigación.
W&H; ¿Cuál fue el mayor desafío al hacer la película?
AK: El mayor desafío fue convencer a la gente de que podía hacerlo como director de largometrajes por primera vez y luego asegurarme de que podía contar la historia en la que creía mientras navegaba por varias partes que tenían diferentes ideas sobre lo que pensaban que debería ser la historia.
W&H: ¿Cómo consiguió la financiación de su película? Comparte algunas ideas sobre cómo hiciste la película.
ALASKA; Esta es mi primera característica. Ni siquiera había dirigido un corto. Así que comprensiblemente fue bastante difícil encontrar fuentes de financiación al principio. Pero mi amigo David Koh, que es productor de la película y fue asistente de Nam June en sus años universitarios, me animó a hacer un tratamiento y comenzar a grabar mis entrevistas de investigación con los contemporáneos de Nam June.
No es necesario estar completamente financiado para hacer un documental, así que comencé a filmar usando un iPhone y cámaras a las que tenía acceso a través de favores de amigos. Luego me aceptaron en el foro IDFA, donde puedes presentar tu proyecto a un grupo de coproductores y distribuidores internacionales.
Recibí dinero de inversionistas privados, subvenciones y fondos del gobierno coreano a través de mi coproductor coreano a quien conocí en IDFA. Lo que también fue una ventaja fue que el tema se cruzaba entre el arte y el cine, por lo que también pude buscar opciones de financiamiento en el mundo del arte.
W&H: ¿Qué te inspiró a convertirte en cineasta?
AK: Nunca pensé que iba a ser cineasta, pero siempre me interesó contar historias a través del arte. Trabajé en varias industrias creativas de la música, la moda, el arte y los medios, pero no pude elegir una. Me encontré en Vice, donde me arrojaron al extremo más profundo de la producción cuando no tenía experiencia, y era una situación de hundirse o nadar. A pesar de las experiencias de casi ahogamiento, descubrí que realmente disfrutaba contar historias a través de imágenes en movimiento.
El cine reunió todas las diferentes disciplinas creativas que disfruté. Tienes que ser pintor, compositor, diseñador, escritor y usar muchos otros sombreros para hacer una película.
W&H: ¿Cuál es el mejor y el peor consejo que ha recibido?
AK: El mejor consejo: confíe en sus instintos pero esté abierto a cualquier cosa que surja. Un accidente o un error pueden resultar correctos.
El peor consejo: “Esto no es lo suficientemente comercial”.
W&H: ¿Qué consejo tiene para otras directoras?
AK: No dejes que nadie te diga que no puedes hacerlo o que tu película no es lo suficientemente “comercial”. ¡Sigue adelante!
W&H: Nombre su película favorita dirigida por mujeres y por qué.
AK: “Morvern Callar” de Lynne Ramsay
No podía dejar de pensar en la película semanas después de verla y me inspiró a empezar a escribir.
Nadie sabe cómo lidiará con el duelo hasta que les sucede y “Morvern Callar” aborda esa cuestión de una manera muy inesperada. Aunque el personaje principal toma una decisión cuestionable, Samatha Morton y Lynne Ramsey crearon un personaje multifacético y aún la apoyas, al menos yo lo hice.
Creo que esos son los tipos de películas más fuertes: cuando un personaje te sorprende. La película es oscura, extraña, absurda y conmovedora.
W&H: ¿Qué responsabilidades, si las hay, cree que tienen los narradores para enfrentar el tumulto en el mundo, desde la pandemia hasta la pérdida del derecho al aborto y la violencia sistémica?
AK: Creo que los narradores, inconsciente o conscientemente, están respondiendo al mundo, sin importar cuán sutil o evidente sea el mensaje en su trabajo. No creo que sea tanto una responsabilidad como una inevitabilidad.
Es difícil hacer una película, así que la única forma de soportar el largo y turbulento viaje es si sientes que la historia es lo suficientemente importante como para contarla. Incluso si no es una “confrontación”, es una reacción a las experiencias de relacionarse con el mundo que te rodea.
W&H: La industria del cine tiene una larga historia de subrepresentar a las personas de color en la pantalla y detrás de escena y de reforzar, y crear, estereotipos negativos. ¿Qué acciones crees que se deben tomar para que Hollywood y/o el mundo del documental sean más inclusivos?
AK: Creo que es importante para la industria dar más espacio a las personas subrepresentadas de una manera reflexiva y fluida. Cambiar las prácticas de selección/contratación es importante. Quiero ver más caras asiáticas detrás y en la pantalla, pero creo que ciertas formas de comercializar películas como “películas asiáticas” pueden crear un refuerzo negativo y enfatizar aún más la “diferencia”. Entiendo que este podría ser un primer paso esencial para corregir el rumbo, pero a veces creo que hemos ido demasiado lejos.
Dicho esto, creo que es realmente positivo tener más de estas conversaciones y es importante poder encontrar modelos a seguir o ser modelos a seguir en estas comunidades.
