‘Estoy honrando a estas personas’: Spike Lee sobre ‘llenar’ el Museo de Brooklyn con sus fuentes creativas | Lee Lee

SPike Lee me cuenta la historia de cómo tuvo que convencer a Frank Sinatra para que le permitiera usar su música para la película Jungle Fever de Lee de 1991. Aparentemente, Ol’ Blue Eyes estaba molesto por una de las películas anteriores del cineasta, Do the Right Thing.. En una escena inolvidable, se desata un alboroto en Sal’s Pizzeria, el restaurante del barrio donde frecuentan los protagonistas de la película. En un momento durante el caos, se inicia un incendio devastador y las paredes, adornadas con fotografías de celebridades queridas, como Frank Sinatra, arden.

Lee estaba tratando de negociar los derechos con la hija de Sinatra, Tina, quien en ese momento manejaba los asuntos comerciales de la leyenda de la música. “Le faltaste el respeto a mi padre”, le dijo Tina a Lee, según él mismo. Lee se disculpó y, durante semanas, rogó una forma de enmendarlo. Me dijo que cuando empezó a escribir Jungle Fever, tenía en mente un paisaje sonoro específico, uno que establecería la textura de una película subversiva sobre relaciones interraciales en una era posterior a los derechos civiles.

Ya había contratado a Stevie Wonder para escribir nuevas canciones para la banda sonora y veía la música de Sinatra como una agradable yuxtaposición. En la mente de Lee, ambos fueron cruciales para transmitir los dos conflictos emocionales de la película: el romance lascivo entre un hombre negro casado de clase media en Harlem y una mujer italoamericana soltera de clase trabajadora en Bensonhurst, Brooklyn; y el drama familiar de un hijo drogadicto en el apogeo de la epidemia de crack.

Sobre su petición final a Sinatra, Lee me dijo: “No escribo. Así que escribí a mano una carta de 10 páginas”. Al final consiguió los derechos.

Esta historia subraya un detalle crucial sobre la mente y las pasiones de Spike Lee: tiene un compromiso inquebrantable de conversar con maestros de otros oficios. La música, como lo ilustra la anécdota de Sinatra, es una de las herramientas más importantes que impulsa el espíritu creativo de Lee (considérese las secuencias iniciales de muchas de sus películas y documentales). Lee, que alguna vez fue un novato que recibió elogios de la crítica por sus primeras películas independientes, hoy, que tiene 66 años, es un cineasta icónico conocido por producir algunas de las críticas más ricas y mordaces de la vida social estadounidense. Sin embargo, a medida que su fama y prestigio se han ido ampliando a lo largo de los años, Lee sigue siendo un estudioso curioso de los innovadores que han dado forma a su estilo único.

Una nueva exposición, Spike Lee: Creative Sources, ofrece una exploración abundante de esas influencias. Lee, un coleccionista voraz de recuerdos musicales y deportivos, arte negro, fotografía e historia del cine, Una vez dicho de su acumulación: “Podría llenar el Museo de Brooklyn”. Y aunque Creative Sources, que se encuentra en el museo de la ciudad natal de Lee, no bastante Llene el lugar, la colección presenta más de 450 elementos de su archivo.

La muestra, curada por Kimberli Gant e Indira A Abiskaroon, puede abrumar los sentidos al principio. Pero surgen patrones y objetos e ideas se superponen para ilustrar un núcleo interconectado en el centro del trabajo de Lee. La exhibición incluye fragmentos de los penúltimos momentos de las películas más importantes de Lee; una copia original de una edición de Esquire de 1968 con Mohamed Ali en la portada; una fotografía de Denise McNair, una de las cuatro niñas muertas en el atentado con bomba en la iglesia bautista de la calle 16 en Birmingham, Alabama, en 1963, en pijama y aferrada a una muñeca; un retrato de Malcolm X; un cuadro de Toni Morrison; la artista Deborah Roberts collage de Trayvon Martín; una edición limitada de platino de la pieza de resistencia de Stevie Wonder, Innervisions; y una copia de la primera edición de Their Eyes Were Watching God de Zora Neale Hurston.

“Eso está en el pergamino de Ella tiene que tenerlo”, me dijo Lee sobre las primeras frases de la novela de Hurston de 1937. Y como un gran profesor (Lee enseña cine en su alma mater, la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York), me pone a prueba para ver si puedo recordar las líneas de memoria. (Él se alegra cuando puedo).

Uno de los objetos expuestos favoritos de Lee es una bandera del Congreso Nacional Africano firmada por Nelson y Winnie Mandela, que adquirió mientras filmaba Malcolm X en 1992. “Muchas de las cosas en el programa son [from] gente de mi panteón personal”, me dijo Lee. “Estoy honrando a estas personas”. También subrayó su conexión espiritual con los objetos: “Cuando estoy en mi oficina, los miro y ellos me miran a mí”. Aunque estos objetos son particulares y personales para Lee, la curaduría permite a personas ajenas establecer conexiones entre la lengua vernácula cinematográfica de Lee y las obras de otros artistas.

Las impresiones de la muestra de James Van Der Zee, el fotógrafo del Renacimiento de Harlem, generalmente cuelgan de las paredes fuera de la sala de edición de Lee en su estudio 40 Acres y Mule Filmworks en Brooklyn. Son parte de su filosofía de cultivar un espacio de trabajo inmersivo e inspirador. Muchas de las impresiones expuestas ayudan a aclarar a los visitantes la estética de la obra de Lee: la escena de amor de Mookie y Tina en Do the Right Thing, por ejemplo, remite a los sensuales retratos desnudos de Man Ray, que se exhiben junto con la época de la Depresión de Margaret Bourke-White. fotografía documental y retrato minimalista de Richard Avedon. Estas imágenes son esencialmente paneles de estado de ánimo que Lee usó para ayudar a construir docenas de escenas.

La colección de Lee descubre su profunda reverencia por la historia, la nostalgia y los pioneros negros. Adora a los jugadores de béisbol de la Liga Negra y a los grandes del boxeo como Jack Johnson y Joe Louis. Pero es más, estos deportistas son vasos sagrados que le dan energía. Los mayores de mi familia que recuerdan la noche en que Joe Louis venció a Max Schmeling en 1938 todavía adoptan un temor melancólico al relatar cómo se sintieron ese momento para los afroamericanos. Lee, que no estaba vivo cuando ocurrió esa pelea, tiene los artefactos para preservar esa memoria colectiva: los pantalones cortos de boxeo de Louis y una impresionante pintura al óleo del artista Alexander Van Armstrong de su rostro golpeado, que se combinan en la exhibición. Lee alquimizó estos objetos para dar forma a un momento memorable en Malcolm X: después de que Malcolm termina su turno como portero, queda envuelto en la esclavitud de los juerguistas que celebran en las calles de Harlem después de que Louis venciera a Billy Conn en 1941.

Para Lee, un hombre negro que alcanzó la mayoría de edad en los Estados Unidos de mediados del siglo XX, estos recuerdos y elementos son una reprimenda al borrado de los negros en momentos importantes de la historia estadounidense. Lee aprecia estos linajes de la grandeza afroamericana y la ética de trabajo que hizo que estos íconos fueran extraordinarios. Esta colección ha ayudado a Lee a canalizar su atención; Para lograr el dominio en su creación artística, utiliza los artefactos como recordatorio de que el talento requiere rigor, resistencia, flexibilidad y adaptación.

Hacer películas es un proceso arduo y minucioso que, para Lee, requiere muchas manos, una concentración exigente y un impulso para crear momentos imborrables que perduran a lo largo de toda la vida. Trabaja para cultivar la nostalgia y el significado más allá de la percepción, un misterio innombrable y difícil de traducir. Con ese fin, la colección de Lee es una cámara de maravillas; ¿De qué otra manera podemos conectarnos con lo sublime, los ancestros y las musas? La exposición parece sugerir que si la creación artística es en parte disciplina y en parte imaginación, entonces su tercer elemento, el más incomprendido, es el compromiso con lo inefable.