Entrevista con Julius Hazard sobre su trabajo debut en DG “Scriabin & Scarlatti: Piano Works”

El joven pianista alemán Julius Hazard ha sido elogiado por el maestro pianista Menachem Pressler por su “tono excepcionalmente hermoso y su forma incomparable de resonar”.

Nacido en 1997 como hijo mayor de una familia de músicos cerca de Frankfurt, Alemania, aprendió por sí solo piano e improvisación desde una edad temprana y actualmente está inscrito en el “Programa de interpretación Sir András Schiff para jóvenes pianistas” en la Academia Kronberg. Azar firmó un contrato exclusivo con Deutsche Grammophon en 2023 y acaba de lanzar su innovador trabajo debut “Scriabin & Scarlatti: Piano Works” el viernes 3 de mayo de 2024. Es un pianista asombroso con un talento único para crear programas que combinan las obras de Scriabin, un pionero de la música moderna del siglo XX, y Scarlatti, el maestro de la ópera napolitana del siglo XVIII.

¿Qué tipo de pensamientos puso Julius Hazard en su trabajo debut? escritor sonoro y visual,Hidekuni MaejimaEntrevista por.

――El año pasado, en el verano de 2023, viniste a Japón por primera vez como miembro de la gira de la Academia Kronberg por Japón. Primero, nos gustaría preguntarle sobre sus recuerdos de la actuación en Suntory Hall Blue Rose y Japón.

En Suntory Hall, quedé profundamente conmovido por la cálida bienvenida que recibí del público y del personal. Fue una gran experiencia poder compartir las obras de Mozart y Dvorak con un público japonés. Entonces me impactó la ciudad de Tokio. No tuvimos mucho tiempo para hacer turismo, pero la comida estaba deliciosa. Me encanta la comida japonesa, así que fue como el paraíso.

――¿Te inspira algo más que la comida japonesa?

Me interesa la arquitectura, así que fue divertido simplemente caminar y observar la arquitectura. Los enormes edificios cambian la atmósfera del espacio de varias maneras. Al menos Tokio es completamente diferente de Nueva York y otras grandes ciudades. Me dio la impresión de estar en otra dimensión.

–Sigues estudiando con Andras Schiff en la Academia Kronberg.

Sí, estudiaré con Schiff hasta este verano. Sin duda, es uno de los más grandes pianistas de nuestro tiempo. No sólo es un excelente músico, sino también un gran conocedor de la sociedad, la política y la literatura. No se trata sólo de tocar el piano. Creo que eso es lo que lo hace especial. Sus actuaciones reflejan profundamente sus conocimientos y percepciones fuera de la música.

–Cuéntenos cómo firmó un contrato exclusivo con Deutsche Grammophon (DG).

Para ser honesto, todavía no puedo creer que haya firmado un contrato exclusivo con DG. Es un gran evento, como entrar en un nuevo capítulo en tu vida.

Creo que era el 23 de septiembre de 2023 y el productor de DG se comunicó con mi agente. “Estoy interesado en Julius, así que me gustaría conocerlo”, dijo. Luego vine a escuchar un concierto en Berlín. En ese momento tocamos a Bartók, Brahms y Beethoven, y después de la actuación tomamos una copa de vino y hablamos de música, y ambos nos dimos cuenta de que podíamos trabajar bien juntos. Compartimos la misma visión.

_{Julius Hazard – Salón Amarillo 2023}

–Este álbum, tu debut en DG, combina la música de Scriabin y Scarlatti. Cuando escuché este álbum por primera vez, me recordó a Vladimir Horowitz. No hace falta decir que Horowitz fue un maestro de Scriabin y Scarlatti.

Esa es una impresión realmente interesante. Amo a Horowitz.

La forma de tocar de Horowitz es completamente diferente a la de otros pianistas. Como dijiste, sus interpretaciones de Scriabin y Scarlatti fueron famosas. En cuanto a mi álbum, no entiendo muy bien por qué elegí combinar a estos dos compositores. En otras palabras, cuando combino a ciertos compositores, lo hago en base a algún tipo de idea, pero incluso cuando miro hacia atrás, a veces no entiendo muy bien por qué se me ocurrió esa idea. Supongo que fui impulsado por algún tipo de impulso… Sin embargo, instintivamente sentí que con este tipo de combinación podría transmitir algo a los oyentes.

Lo que cada oyente siente de mi actuación puede ser diferente. Cada uno tiene su propia forma de escuchar.

–¿Siempre te ha gustado la música rusa?

Sí. Creo que la música rusa tiene una especie de oscuridad, como un abismo. Incluso si intentas mirar hacia adentro, parece que ni siquiera puedes ver el suelo. Creo que es porque la música rusa pertenece a una especie de mundo de otro mundo y está escrita en un lenguaje musical diferente al nuestro.

――Cuando pensamos en Scriabin, tendemos a pensar en sus últimos trabajos místicos, pero para este álbum, enfocaste deliberadamente tu interpretación en los primeros trabajos de Scriabin escritos cuando tenía 20 años. ¿Eso significa que sientes afinidad por las canciones escritas en la misma época que tú?

No sé si puedo decir eso, pero también me encantan los trabajos posteriores de Scriabin. Es una existencia especial que le habla a tu corazón.

Crecí escuchando las sonatas posteriores de Scriabin y obras como la Sinfonía n.° 5 para piano y coro, “Prometheus”, y es música escrita con un tono verdaderamente hermoso. Sin embargo, cuando grabé este álbum de DG, me di cuenta de que estos elementos de Scriabin en realidad estaban incluidos en mis primeros trabajos. Los tonos oscuros característicos del último período de Scriabin ya son evidentes en sus primeras obras, como si predijeran el futuro de Scriabin.

Lo mismo puede decirse de las obras de Scarlatti grabadas con Scriabin. Aunque vivieron en diferentes épocas, países, idiomas y estilos musicales, cuando los juntas, están conectados como un lapso de tiempo. Volviendo a Scriabin, le llevó muchos años desarrollar su estilo posterior, pero también es cierto que ya se pueden ver destellos de ese estilo en sus primeras obras.

_{Julius Hazard-Scriabin: Preludio Op. 16 No. 1 en si mayor}

――Otra cosa que realmente me impresionó de este álbum es que todas las canciones de este álbum están relacionadas con la tonalidad.GuauLos puntos están ordenados de la siguiente manera. En otras palabras, comienza con “Quasi Niente” de Scriabin en fa menor (nota: aparece al final del cuarto movimiento de la Sonata para piano n.° 1 en fa menor, Op. 6), y Scarlatti, escrito en el mismo fa menor. tonalidad menor. A esto le sigue una pieza en do menor, que es la tonalidad subordinada de fa menor. De esa forma, todas las canciones están relacionadas por tonalidad. Pensé que era una idea realmente genial y emocionante.

Gracias por decir eso.

En cierto sentido, crear una estructura que conecte piezas entre sí basándose en la tonalidad puede parecer algo muy obvio, pero cuando lo intento yo mismo, descubro que puedo crear un “viaje” musicalmente significativo es muy difícil. No puedes mantener la música en fa menor, así que si quieres conectar las canciones la próxima vez, ¿cómo debes conectarlas? En otras palabras, después de la segunda canción del álbum, la Sonata para piano en fa menor, K.466 de Scarlatti, ¿cómo podemos pasar a do menor? Cuando pensé en esto, coloqué el Preludio No. 20 de Scriabin en do menor después del trabajo de Scarlatti en fa menor, y funcionó perfectamente.

Así fue como fui decidiendo la estructura poco a poco, como si estuviera completando las piezas de un rompecabezas, y creo que la disposición general quedó hermosa, así que estoy muy satisfecho. Fue un proceso que llevó mucho tiempo, pero fue muy divertido en sí mismo.

_{Julius Hazard-Scriabin: Prólogo (Sonata para piano n.° 1 en fa menor, op. 6, 4.° movimiento: Quasi Niente de la Marcha fúnebre)}

――Esto está relacionado con la pregunta que acabo de hacer, pero “Quasi Niente” de Scriabin, que aparece al principio, a la mitad y al final de todo el álbum, sirve como tema principal o leitmotiv de todo el álbum.

así es. Así como los humanos encontramos simetría en la realidad, como izquierda, derecha y centro, creo que también existe una especie de simetría entre nuestra imaginación y la realidad real.

Cuando algo sucede, puede parecer un déjà vu (un sueño familiar). De manera similar, el “quasi niente” que escuchamos al comienzo del álbum en realidad proviene de la Sonata para piano n.° 1 de Scriabin, pero cuando escuchamos la sonata completa en la mitad del álbum, ya es el primero en escuchar “Quasi niente”. Niente”, por lo que el “Quasi Niente” que aparece en la sonata se puede escuchar de otra forma. En otras palabras, nunca volverá a suceder lo mismo y no volverá a quedar cubierto de agua. De esta manera, quería arrojar nueva luz sobre una pieza musical repitiéndola y cambiando el contexto.

――Además, “Cuasi Niente” aparece en el cuarto movimiento, el cual fue escrito como una marcha fúnebre, por lo que se puede decir que es un tema del “lado oscuro” de los humanos.

Creo que “Quasi Niente” juega un papel que cambia por completo la atmósfera pacífica de la Sonata para piano n.° 1. Como sabes, cuando Scriabin escribió esta pieza estaba pasando por un momento difícil como estudiante cuando se lesionó la mano derecha debido al exceso de práctica, y su futuro como pianista estaba en duda. Después de esta sonata, Scriabin nunca volvió a escribir una marcha fúnebre, pero creo que fue una decisión realmente extraña terminar su primera sonata para piano con una marcha fúnebre. Sin embargo, la canción “Kwazi Niente” que aparece en la marcha fúnebre se siente como si emitiera una luz diferente a la música hasta entonces, como una isla solitaria flotando en el mar.

–En una entrevista, dijiste que Inception de Christopher Nolan fue una de las inspiraciones para este álbum. Si lo piensas de esa manera, la razón por la que se toca “Quasi Niente” en este álbum es porque todos se despiertan de un sueño cuando se toca la canción “Afloat” de Edith Piaf en “Inception”.

Ese es un punto interesante. Cuando concebí este álbum por primera vez, no estaba pensando en Inception en absoluto, pero luego me di cuenta de que había similitudes con este álbum. Por supuesto, me encanta Inception y creo que es una película realmente genial. Esto se debe a que es una película que conecta y expresa muchos aspectos de la vida humana de manera multicapa. Lo mismo puede decirse del viaje entre Scriabin y Scarlatti que expresé en este álbum. No es un álbum en blanco o negro. Es un álbum más ambivalente y tridimensional. Al menos, esa es mi intención con el álbum, pero por supuesto cada oyente sentirá algo diferente al respecto.

©Michael Reinicke

――Además, este álbum incluye dos canciones de transición que compusiste, pero ¿estas canciones estaban anotadas con anticipación? ¿O es improvisado?

Al principio improvisé, pero después de volver a tocarlo lo anoté. No suelo improvisar, pero esta vez utilicé intencionalmente material de las sonatas de Scarlatti para improvisar. Quería predecir lo que iba a pasar a continuación, como si una canción de Scarlatti condujera a una canción de Scriabin.

_{Julius Hazard – Hazard: TRANSICIÓN II}

–Cuéntenos sobre los instrumentos que utilizó para esta grabación.

Fui a Teldex Studio en Berlín, donde grabaría, y pensé en limitarlo a un Steinway, pero no tenía opciones, así que al final decidí usar dos. En el campo del arte, el compromiso es un no-no. Uno tenía un sonido muy oscuro y una sensación mística, como los trabajos posteriores de Scriabin. El otro es un piano muy flexible que se parece a un coche deportivo con un volante afilado. Es perfecto para los pasajes rápidos de las sonatas de Scarlatti y el primer y tercer movimiento de las sonatas de Scriabin. Grabamos las canciones por separado usando las dos máquinas, pero el ingeniero de sonido tuvo que combinar los pianos con diferentes tonos en uno, así que creo que fue un proceso de grabación muy agotador. Un álbum es como una respiración profunda de 75 minutos y hay que hacerlo con dos ondas sinusoidales diferentes.

–Por cierto, ¿cuánto tiempo practicas al día?

Depende del día. Siempre estoy practicando mentalmente, escucho mucha música y pienso en todo lo relacionado con la música. Así que algunos días, como hoy, no practico piano y otros días practico durante horas.

_{Julius Azar-Scarlatti: Sonata para piano en fa menor K.466}

――Aparte de la música, ¿hay algo más que te inspire?

Es literatura y arquitectura. Solía ​​ser un gran admirador de Franz Kafka y Georg Büchner, pero hoy en día no tengo mucho tiempo y me gustaría dedicar más tiempo a leer, pero es una pena. En cuanto a la arquitectura, como mencioné antes, lo que más me impresionó de Tokio fue su arquitectura asombrosa. El sistema de la ciudad, la disposición de las calles, me parecía un poco surrealista, como si estuviera viendo una película de Christopher Nolan.

–¿Escuchas música distinta a la clásica?

Cuando era joven sólo escuchaba a Michael Jackson. Recientemente comencé a escuchar a Michael Jackson nuevamente, y cuando escucho todos sus álbumes desde su álbum debut hasta el último, puedo escuchar tantos estilos diferentes y, al mismo tiempo, siento como si algo estuviera pasando entre ellos. ellos.tengo la impresión de que

–¿Tienes algún plan para futuras grabaciones?

Tenemos varias opciones para nuestro próximo álbum, pero no hemos decidido los detalles. Los álbumes se expresan, así que espero que el camino que sigue este álbum conecte.

–¿Quieres volver a Japón?

¡por supuesto! Quiero ir allí de inmediato.

–Finalmente, ¿tiene un mensaje para los oyentes japoneses?

Sería muy feliz si todos en Japón y en todo el mundo pudieran escuchar este álbum. Escuche el álbum de principio a fin. Todas las canciones tienen sentido y están interpretadas de una manera que crea un gran suspenso en su conjunto. Me hace muy feliz y me siento precioso poder compartir las experiencias que tuve en el estudio de grabación con los oyentes. Sinceramente espero poder visitar Japón nuevamente lo antes posible y conectarme con los japoneses en la sala de conciertos.

Escrito y entrevistado por Hidekuni Maejima(Escritor sonoro y visual)