Bruce Willis – El regreso de Bruno (1986)
Lo más sorprendente del álbum debut de Bruce Willis no es que generó un par de éxitos: remakes aceptables de Under the Boardwalk y Respect Yourself. Ni siquiera es que artistas de soul de primer nivel, incluidas Pointer Sisters y Temptations, lo hayan ayudado durante la grabación. Willis entonces estaba en lo más alto como la estrella de la serie de televisión Moonlighting, lo suficientemente rentable como para cambiar récords y atraer a grandes nombres. Lo más sorprendente es que salió en Motown, el sello de soul más venerado de todos los tiempos. De hecho, Bruce Willis podría ser el último artista que firmó el fundador de Motown, Berry Gordy: vendió su participación en el sello meses después. ¡Qué manera de ir!
Childish Gambino – ¡Despierta, mi amor! (2016)
Se podría argumentar que Donald Glover es técnicamente un músico que se convirtió en actor: comenzó a lanzar mixtapes antes de comenzar a escribir y aparecer ocasionalmente en 30 Rock a fines de los 2000. Pero su carrera como rapero despegó después de su papel en Community. Cuanto más exitoso se volvió como escritor y actor, más aventurera se volvió su música: en Awaken, My Love!, abandonó el hip-hop por completo en favor de un homenaje al funk psicodélico de los 70, audiblemente bajo la influencia de Sly and the Family. Stone y Funkadelic, pero lo suficientemente extraños e idiosincrásicos como para contar como algo más que un mero pastiche.
William Shatner – El hombre transformado (1968)
No solo un disco sino uno de los grandes WTF? momentos de la historia del pop. A medida que el Capitán Kirk se abre camino a gritos a través de recitaciones de todo, desde el soliloquio de Hamlet hasta el Sr. Tambourine Man de Bob Dylan, es imposible saber si habla en serio, si se lanza a sí mismo o si está en medio de algún tipo de aterrador colapso público. Los álbumes posteriores en los que Shatner está claramente involucrado en la broma, hechos con cultistas de Transformed Man, incluidos Ben Folds y Henry Rollins, no son tan intrigantes.
Scarlett Johansson – Dondequiera que ponga mi cabeza (2008)
Así como los artistas pop rara vez son tomados en serio como actores, los actores rara vez son tomados en serio como artistas pop. Ocasionalmente, eso parece injusto, como en el caso de la colección de versiones de Tom Waits de Scarlett Johansson, creada con la ayuda de los aclamados rockeros artísticos TV On The Radio y David Bowie. Reubica el trabajo de Waits en paisajes sonoros de ensueño y brumosos; claramente, alguien involucrado era fanático de las atmósferas desvanecidas de Cocteau Twins y This Mortal Coil, lo cual es una idea interesante, mientras que Johansson suena un poco como Nico. El resultado final mostró ser mucho más prometedor de lo que sugerían algunas de las críticas más despectivas.
Dead Man’s Bones (Ryan Gosling) – Dead Man’s Bones (2009)
La ruta estándar para los actores de hoy en día que eligen incursionar en la música parece involucrar al rock alternativo estadounidense artístico: hacen álbumes diseñados con críticas entusiastas de Pitchfork en mente, con diversos grados de éxito. El trabajo de Ryan Gosling como la mitad del dúo, Dead Man’s Bones, se ajusta perfectamente a ese criterio. Pero su lanzamiento solitario, una especie de álbum conceptual sobre fantasmas que hace un uso sorprendentemente bueno de un coro de niños, es un ejemplo superior del tipo: inquietante, atmosférico y de un tono atractivo y oscuro.
David Hemmings – David Hemmings sucede (1967)
Otro álbum del que el reparto secundario puede llevarse gran parte del crédito. La estrella de Barbarella y Blow-Up, y más tarde de Gladiator y Gangs of New York, era un cantante de folk “bastante bueno” y, en el apogeo de su fama en los años 60, un sello discográfico estadounidense lo asoció con el productor Jim. Dickson, quien también resultó ser el gerente de los Byrds. Trajo a los miembros de la banda Roger McGuinn y Chris Hillman a las sesiones y le dio a Hemmings una canción inédita escrita por el ex Byrd Gene Clark, lo que confirió un estatus de culto a la voz de Hemmings al estilo Dylan y las exploraciones de raga-rock semi-improvisadas.
Jamie Foxx – Impredecible (2006)
Foxx realmente puede cantar, y tiene los álbumes de platino para probarlo, pero su disfrute de Unpredictable puede depender de su tolerancia por el R&B pasado de moda, increíblemente lento y lúbrico de la escuela R Kelly. Si está buscando canciones que comparen la profusión de fluido cervical de su pareja durante el acto sexual con una tormenta, o incluso una canción sobre el amor de Jamie Foxx por los DVD porno (“¡$39.99 por los nuevos lanzamientos! ¡No estoy orgulloso de eso! ”), luego llena tus botas. Por lo menos, es la más rara de las cosas: un álbum de R&B con notas de portada que incluyen a Dame Helen Mirren entre los “Ride Or Die Homies” de su autor.
Ella y él (Zooey Deschanel) – Volumen dos (2010)
Según fuentes tan variadas como Vogue y Rolling Stone, “twee” está teniendo un momento impulsado por TikTok en 2022, lo que quizás signifique que la obra musical de la principal chica de los sueños de los duendes de los años 2000, Zooey Deschanel, podría ser reconsiderada. Su segundo álbum con la cantautora M Ward suena exactamente como cabría esperar de algo hecho por una mujer cuyo sitio web de estilo de vida se llamaba Hello Giggles: pop indie estadounidense cursi con un toque retro de grupo de chicas. Pero si no eres intolerante al azúcar, la composición es realmente buena y la voz de Deschanel es bastante atractiva.
Russell Crowe – Mi mano, mi corazón (2015)
Un artículo premiado de 2006 del periodista australiano Jack Marx demuestra la seriedad con la que Russell Crowe se toma su música. Contratado brevemente por el actor como relaciones públicas no oficiales, se esperaba que Marx convenciera al mundo para que también se tomara en serio la música de Crowe. “Lo más caritativo que pude sentir al respecto”, dijo Marx sobre su último CD, “fue que no era una completa basura”. Si estuvieras en un pub, donde una banda tocara ese pasable pop-rock de raíces, no necesariamente te irías, pero tampoco dejarías de hablar con quien sea que estés.
Juliette Lewis – Futuro profundo (2016)
Atrayendo la atención desde el principio, gracias a su enfoque impresionantemente comprometido con las presentaciones en vivo (grandes saltos en el escenario, etc.), la autoproclamada “servidora pública del rock’n’roll” Lewis ahora puede ser casi tan conocida como cantante como ella. es como actor. Su trabajo en solitario ha continuado en la línea que comenzó con su banda The Licks: garage-rock visceral y thrash con un trasfondo electrónico, canciones llamadas I Know Trouble y Mean Machine. Nunca te sorprende la sensación de que alguien está incursionando, que siempre es la maldición del actor convertido en músico.
Richard Harris – Un vagabundo que brilla (1967)
Existe un argumento convincente de que la incursión de Richard Harris en la música es el estándar por el cual deben juzgarse todos los esfuerzos posteriores similares. Aunque Harris no era un gran cantante, tuvo la suerte de relacionarse con Jimmy Webb, uno de los mejores compositores de los años 60, quien prodigó a Harris una sucesión de increíbles canciones rococó y arreglos ornamentados: MacArthur Park es el más famosos, pero casi todo lo demás está al mismo nivel. El seguimiento, The Yard Went on Forever, también es fantástico.
Matt Berry – El elefante azul (2021)
Si es difícil para un actor incursionar en la música, probablemente sea aún más difícil para un actor cómico hacerlo: la suposición natural es que todo lo que lanzas tiene la intención de ser una broma. En el caso de Matt Berry, se ve agravado por el hecho de que sus inspiraciones musicales suelen estar muy lejos del canon habitual de las influencias del rock “clásico”: es un gran fanático de Mike Oldfield y un amante de Jesucristo Superstar de Andrew Lloyd Webber. Pero la música que hace es claramente seria (no lanzas nueve álbumes en 10 años solo para reírte) y realmente impresionante, como lo demuestra el espeluznante ciclo de canciones inspiradas en el rock progresivo de The Blue Elephant.