Entre 1950 y 1960, la propiedad de televisión en los Estados Unidos aumentó del nueve por ciento de los hogares al ochenta y siete por ciento. En esa misma década, el número de entradas vendidas en las taquillas de las películas se redujo en aproximadamente un tercio. Hollywood se defendió con producciones espectaculares utilizando tecnología que entonces no estaba disponible para la televisión (color, pantalla panorámica, imágenes en 3-D y sonido estéreo) y se burló de la pantalla pequeña, de manera más brillante, en la comedia de Frank Tashlin de 1957 “Will Success Spoil Rock Hunter?” Ahora, con la visualización teatral nuevamente amenazada, esta vez por el auge de la transmisión, el satirismo de Hollywood ha regresado, en la forma mucho menor pero más grandiosa de “Space Jam: A New Legacy”, que, en una de las divertidas ironías de la industria, fue producido para su estreno en cines, pero, en cambio, salió a la venta en HBO Max el viernes pasado. (La película es producida por el estudio Warner Bros., que está bajo la misma protección corporativa de WarnerMedia que el servicio de transmisión).
Al igual que la exuberante obra maestra de Tashlin, la comedia impulsada por los efectos de Malcolm D. Lee se centra en la brecha generacional tecnológica, con un giro crucial. Mientras que la película anterior interpreta a un ejecutivo publicitario de mediana edad contra su sobrina adolescente, que es una espectadora empedernida e incondicional de la televisión, la secuela de “Space Jam” tiene sus raíces en los conflictos entre LeBron James (interpretándose a sí mismo) y su hijo ficticio Dom ( interpretado por Cedric Joe), que parece tener unos doce años y es un precoz creador de videojuegos a quien LeBron (el personaje) está presionando para tener éxito en el baloncesto. LeBron no permitirá que Dom participe en una conferencia de videojuegos que se llevará a cabo el mismo fin de semana que un torneo de baloncesto al que se inscribió. Como pequeño consuelo, LeBron lleva a Dom a un viaje al estudio de Warner Bros. Allí, la estrella de la NBA se reúne con ejecutivos (Sarah Silverman y Steven Yeun) que le proponen un nuevo proyecto de entretenimiento, llamado Warner 3000. La idea es escanear a LeBron y ponerlo en películas de todo tipo, como “Batman vs. LeBron ”,“ LeBron of Thrones ”y“ LeBron y la cámara secreta ”. Como lo entona el video del argumento de venta, “Las posibilidades son infinitas. Serás el rey de los hermanos Warner. . . y juntos crearemos un entretenimiento alucinante para siempre “.
LeBron descarta la idea (y los ejecutivos obsequiosos siguen su ejemplo) pero, sin que él lo sepa, la cámara de seguridad y los micrófonos de la sala de juntas están siendo secuestrados por el villano de la película, Al G. Rhythm (Don Cheadle), quien inventó la tecnología Warner 3000. Sintiéndose humillado por el rechazo, planea su venganza, usando escaneos para succionar a LeBron y Dom en su Serververse, que está habitado por todas las propiedades anteriores de Warner Bros., como Looney Tunes. Al G., aprovechando la frustración de Dom, lo recluta para liderar un equipo de baloncesto en un juego de rencor de alto riesgo contra su padre y los Looney Tunes. Si el equipo de LeBron gana, todos, incluida la enorme audiencia de gente común absorbida por el Serververse a través del secuestro de la aplicación de Dom por parte de Al G., pueden regresar a casa a la vida real. Pero si el equipo de Dom gana, todos los cautivos digitales permanecerán eternamente en el servidor, como meros personajes de un videojuego y, lo que es más, los Looney Tunes serán eliminados.
La lenta película tarda media hora en llevar a LeBron y Dom al Serververse, y otra media hora en poner en marcha el juego. Mientras tanto, LeBron, renderizado en animación cel de la vieja escuela, se hace amigo del grupo de Looney Tunes y otros personajes animados, mientras que Al G., ganando la confianza de Dom, roba su videojuego y software relacionado, y transforma a LeBron y los Looney Tunes. en versiones CGI de alta resolución y más realistas de sí mismos. El juego en sí, un trabajo duro a través de una serie de reveses dramáticos y clímax sentimentales no sorprendentes y prolongados, aparentemente cumple la amenaza de eternidad de Al G. La película está llena de bromas pero casi desprovista de humor. (Su cómico fracaso se demuestra por el hecho de que Yosemite Sam y sus armas dan la mejor broma). Aunque “Space Jam: A New Legacy” fracasa, lamentablemente, como objeto estético y como experiencia visual, de alguna manera tiene éxito. como una representación conceptual del terror de un estudio de Hollywood frente a la dominación del streaming, de la industria cinematográfica en general que, como Warner Bros., está en proceso de ser absorbida por un Serververse u otro. Un director de imaginación e inspiración tashlinesca podría haber hecho algo de la premisa, y la película en un momento tuvo un director así: Terence Nance, quien dejó el proyecto, en 2019, debido a diferencias creativas (pero permanece en el batallón de guionistas acreditados).
Lo que interesa en “Space Jam: A New Legacy” es el concepto: tómese los ciento quince minutos y lea una sinopsis, luego considere las metáforas. Digitalizar a las personas en un servidor no las saca literalmente del mundo; sin embargo, cuando la desproporción entre la imagen y la realidad es demasiado grande, cuando la imagen pública domina la existencia privada, puede parecer que sí lo hace. El terror del mundo del cine frente al Serververse es, en primer lugar, el de la desmaterialización y la falsificación de imágenes, como en los pseudo LeBrons que el estudio clonaría y desplegaría cinematográficamente. En segundo lugar, está en el despojo de la historia, la manipulación de las formas establecidas de películas heredadas mediante CGI para una nueva generación de consumidores cautivos. En tercer lugar, es el peligro máximo de una centralización digital basada en servidor, es decir, el poder de eliminar, de destruir literalmente el pasado. (Cuando los estudios de antaño enviaban copias, incluso en ausencia de un archivo central, las copias podían sobrevivir de las formas más terribles: consulte el documental de Bill Morrison “Dawson City: Frozen Time”).
Por extraña coincidencia, el tema de “Space Jam: A New Legacy” de la manipulación depredadora de imágenes digitalizadas tiene una contraparte documental en “Roadrunner: A Film About Anthony Bourdain”. “Roadrunner” es quizás el más discutido de los documentales recientes, no por su mérito artístico sino por un pequeño engaño digital realizado por su director, Morgan Neville. Como le dijo a mi colega Helen Rosner la semana pasada, Neville quería que la película incluyera a Bourdain hablando tres líneas de texto para las que no existen grabaciones de voz, por lo que Neville “encargó a una empresa de software que hiciera una versión generada por IA de la voz de Bourdain”. En su conversación con Rosner, Neville descartó con ligereza cualquier preocupación que pudiera suscitar la revelación de su engaño: “Podemos tener un panel de ética documental al respecto más tarde”.
Sin embargo, el verdadero problema con “Roadrunner” no es ético sino estético. El documental es un mero producto de información similar a una enciclopedia, que reduce su rico material de archivo audiovisual y sus sinceras entrevistas con personas que conocían y amaban a Bourdain a fragmentos de imágenes y sonidos liofilizados. Apenas merece la atención que ha recibido, y el truco de audio de Neville, lejos de estropear la película, simplemente sirve como una forma descarada de publicidad de autopromoción. Lo que muestra el truco, sobre todo, es la sustitución de descaro por audacia. Neville usa trozos de voz sintetizada de una manera mezquina y burlona, como para demostrar que está por encima de los escrúpulos que impiden que otros realizadores de documentales obtengan los efectos que desean. Sin embargo, en realidad no hace nada particularmente imaginativo, original, notable o, para el caso, digno de mención con su juguete de voz Bourdainoid. Si Neville quiere fabricar, déjelo fabricar de manera visible, copiosa y libremente en lugar de deslizarse en algunos clips de voz ornamentales. Tener una herramienta tan poderosa a mano y usarla de una manera tan pequeña, meramente decorativa, no usarla con una gama completa y audaz de creatividad, sugiere, primero, su falta de imaginación y, segundo, su sensación de que de hecho, estaba haciendo algo inapropiado. Esta posible transgresión trivial permite que Neville se haga pasar por el chico malo de los documentales, incluso cuando su película formulada sigue obedientemente las reglas.
“Space Jam: A New Legacy”, en su metáfora con respecto a los medios digitales, también confunde su propio concepto al sustituir la ética del cine digital por la estética. El problema con las películas CGI no es la tecnología digital, sino cómo se utiliza. Por ejemplo, el notable despliegue de manipulación de imágenes digitales de Martin Scorsese en “El irlandés” y su sigiloso despliegue en “El lobo de Wall Street” lo convierte quizás en el mayor cineasta de efectos especiales de la época. Los milagros digitales de Miranda July en “The Future” y “Kajillionaire” se encuentran entre las grandes inspiraciones de películas recientes, al igual que las visiones generadas por computadora de Jim Jarmusch en “The Dead Don’t Die” y de Bruno Dumont en “Coincoin and the Extra-Humans “, y, en realidad, de Terence Nance, en la serie de HBO” Random Acts of Flyness “. El fetichismo de los 35 mm. El cine y la animación dibujada a mano sugiere la lamentable falta de originalidad con la que se hace la mayor parte del cine digital moderno, corporatizado e infantilizado, no la falta de posibilidades que ofrecen los medios digitales. Si Nance hubiera dirigido “Space Jam: A New Legacy”, probablemente habría demostrado las maravillas artísticas que se podrían lograr digitalmente, exactamente como la animación dibujada a mano de Looney Tunes no refleja ningún mérito inherente al medio, sino el arte innovador del directores de la serie, incluidos Tex Avery, Chuck Jones y el propio Tashlin. Las personas que desconectan a esos artistas en la era digital, y los que hacen un mal uso de sus propios Serververses y amenazan con sumergir sus propiedades heredadas en el olvido digital, no son ingenieros resentidos, sino ejecutivos como los que interpretaron Silverman y Yeun, a quienes “Space Jam: A New Legacy” describe como víctimas inconscientemente inocentes.
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