Entrevista: Tschabalala Self

Tschabalala Self habla sobre la herencia, la identidad y lo que significa y parece ser un artista en ejercicio hoy en día.

Una mujer negra está sentada en su postura erguida y elegante, sin prestarte atención. O tiene las piernas abiertas, un secreto a voces. O está inclinada, con la mirada fija en el suelo, indiferente y despreocupada. Muchas de las pinturas del artista Tschabalala Self son estudios de personajes de este tipo. Nos presenta figuras llenas de acción; carismáticos, imbuidos de personalidades distintas y coloridas, pero no atraen nuestra mirada ni nuestra atención. Nos topamos con ellos. Se les permite serlo.

El trabajo de Self combina pintura, textiles y materiales desechados que utiliza para crear su propio lenguaje que puede hablar desde y hacia las posiciones de estos personajes. Como artista negra, su trabajo a menudo se lee políticamente: cómo las figuras de sus pinturas se relacionan con conversaciones o luchas más amplias en torno a la raza, el género y la sexualidad. Pero la representación es sólo una faceta del trabajo. A través de su arte hay una interioridad compleja que desmiente los estereotipos que se proyectan en las figuras que pinta o esculpe.

Desde su graduación en Yale en 2015, Self ha expuesto ampliamente en instituciones de arte de Europa, Asia y América. En esta versión abreviada de su larga conversación con Fact, Self nos lleva a través de cuestiones de herencia, identidad y lo que significa y parece ser un artista en ejercicio hoy en día.

Esta función se publicó originalmente en la edición F/W 2023 de Fact, que está disponible para comprar. élre.

Gazelle Mba: ¿Qué te impulsa a trabajar en periodos difíciles o duros de tu vida?

Tschabalala Self: Todavía puedo trabajar esos días porque es una práctica. Es similar a otras prácticas que tienes en la vida, desde comer bien, hacer ejercicio o una forma particular de moverte. Porque es una práctica, es algo que tengo que hacer todo el tiempo por mi propia salud. Hacer el trabajo es catártico y, a menudo, muy sanador.

GM: En otra entrevista usted afirmó que se esfuerza por mantener una separación entre su yo interior y su vida privada y laboral. ¿Podrías hablar un poco sobre esta necesidad de separación?

TS: Me gusta tener una separación porque quiero retener una parte de mí para mí. Hacer arte y ponerlo a disposición de un público más amplio son dos cosas distintas. Si eres un artista, siempre puedes y harás arte, independientemente de cómo otras personas interactúen con él. Hacer arte es en realidad una experiencia bastante solitaria. Cuando empiezas a exhibir tu trabajo, ese es un proceso completamente diferente. Creo que es realmente bueno dejar todo sobre la mesa en la realización de la obra de arte. Pero debido a que puede ser tan político (hay muchos tipos diferentes de personas con muchas intenciones diferentes involucradas en el mundo del arte), no creo que siempre sea tan bueno dejarlo todo sobre la mesa. En cuanto a mi vida personal y mi yo público y cómo se presentan en mi trabajo, todo es más fluido y más poroso. Sin embargo, la otra razón por la que hago esto es porque siento que incluso como artista, debes ser algo objetivo. Creo que los artistas son, en última instancia, recipientes de información que canalizan ideas de un momento particular. Creo en un poquito de distancia al hacer arte, para que te dejes utilizar con ese fin de transmitir esas ideas. También creo que es útil hacer un trabajo que no esté tan atado a tu ego sino a tus ideas que provienen de influencias del mundo real.

GM: Parece que en la separación creas espacio en tu trabajo para pensar en la negritud y el género como una idea independiente de tu propio ego o experiencias específicas.

TS: Estoy de acuerdo con la afirmación. Este siempre ha sido mi problema con algunas obras de arte que tratan sobre políticas de identidad, porque al tratar de criticar las formas en que uno es tratado como resultado de su idea de su identidad, hay una validación del hecho de que eres distinto de otras personas. . Nuevamente, creo que la objetividad es importante porque no puedes aceptar el hecho de que estas identidades son aspectos reales de todo tu ser. Son cosas que están cada vez menos encima de ti, dentro de ti, ¿no? Y en los casos en que están dentro de ti, tienes que ser capaz de definir lo que eso significa para ti mismo, no simplemente ceder ante lo que la sociedad diga que significa.

Mi trabajo trata sobre mi identidad, pero muchos cientos, millones de otras personas comparten mi negritud, mi feminidad. Estas son cosas que no son identidades únicas para mí, por lo que no puedo definirlas personalmente para millones de personas. Puedo hablar sobre lo que esa identidad ha significado para mí, y quiero hablar de ello desde un lugar de mi verdad, sin reaccionar a lo que la sociedad en general dice que significa identidad. Mi trabajo utiliza tropos y estereotipos, porque esas son cosas que veo como herramientas o marcadores culturales que puedo aprovechar, visual o subliminalmente, cuando interactúo con el espíritu de la época más amplio. En última instancia, creo que cualquier identidad que tengas en la sociedad es real, ya que afecta tu vida diaria, pero siento que toda experiencia corporal es solo una faceta tuya. Hay otras facetas no relacionadas con tu experiencia física. Creo que el arte realmente tiene que abordar ambos aspectos de las personas.

GM: Si pudieras conocer a tu yo más joven como artista, ¿qué le dirías?

TS: Le diría que tu práctica artística será lo más consistente para ti en toda tu vida y que realmente deberías cultivar este don, ya que te ayudará a superar todas y cada una de las circunstancias. Es como tu genio, así que trátalo como tal.

GM: Eso me recuerda este ensayo de Giorgio Agamben donde habla de las raíces latinas de la palabra ‘genio’, de donde proviene la palabra genio: se refiere al dios que se convierte en el guardián de cada hombre al nacer. El genio otorgaría regalos al individuo, pero esos regalos no estaban destinados a acumularse, sino a compartirse. Esto también se relaciona con la noción de práctica, que permite que el regalo se haga tangible o esté disponible para otros. Creo que la práctica como idea se manifiesta en tu trabajo a través de la interacción entre la vida diaria y la creación artística. Tomar su Bodega Run series por ejemplo, ¿podrías hablar de eso?

TS: Creo que la vida cotidiana es fascinante y también observo a la gente. Obtengo mucha información al ver a la gente hacer cosas simples, observando sus expresiones, ciertas formas de mirar o de caminar o sus afectos. Debido a que mi trabajo es todo figurativo, dedico mucho tiempo a ese tipo de cosas. Cualquier interacción con otra persona puede producir una idea que quiero preservar como pintura, obra de arte o proyecto. La bodega es una institución tan común que ir a la bodega es básicamente como ir a la tienda de la esquina. Todo el mundo ha tenido una experiencia análoga en cada ciudad, incluso en un pueblo pequeño, pero la bodega de la ciudad de Nueva York es un lugar bastante singular por varias razones políticas y sociohistóricas. Pude hacer no sólo una obra sobre esa experiencia, sino una serie completa sobre ella.

GM: Muchos críticos sitúan su trabajo en centros urbanos negros emergentes como Harlem y Nueva York en general, pero también veo muchas similitudes entre sus pinturas y el trabajo de artistas populares afroamericanos como Clementine Hunter y Dean Butler. ¿Considera que su trabajo conversa con el folclore afroamericano o trata sobre una pastoral o bucólica negra?

TS: Definitivamente lo hago. Crecí en Harlem. Todos mis hermanos, excepto mi hermano mayor, nacieron en Nueva York. Toda mi identidad está muy arraigada en haber crecido en Harlem, un barrio muy negro, un pueblo dentro de la ciudad. Realmente ha dado forma a mi perspectiva. Pero mi familia no es de Nueva York. Mis padres crecieron en Nueva Orleans, que es una ciudad mucho más pequeña de Luisiana. Los abuelos de mis padres eran de Natchez, Mississippi, una ciudad rural del sur. Y la familia de mi padre era de la Luisiana rural, de lugares llamados Slaughter y Homer, que están al norte de Nueva Orleans. Esa también es una gran parte de mi identidad. Todavía me gusta hablar sobre lo que significa ser afroamericano, porque creo que a menudo no se acepta como una identidad en Estados Unidos o incluso dentro de los afroamericanos. Mi familia es afroamericana y eso es lo único que sabemos. Siento que el Sur es realmente mi origen. El sur de Estados Unidos es un lugar muy diferente cultural y físicamente que el norte y las ciudades. La narrativa migratoria también es un aspecto importante de la identidad afroamericana. Pienso en el Sur como Luisiana y Mississippi. Ahí es donde realmente comenzó mi familia. Pero al no haber crecido allí, mi comprensión de esto siempre es un poco una ficción personal, siempre lo he imaginado más que saber lo que realmente es. A veces ese elemento de fantasía entra en mi trabajo.

GM: ¿Cuál te gustaría que fuera tu legado?

TS: Alguien que fuera sincero y generoso. Mucha gente no dice la verdad y eso no les hace ningún favor a ellos ni a los demás. Las medias verdades no son ciertas. La gente no quiere hablar con sinceridad sobre sus experiencias. Es realmente importante, especialmente en la creación de arte, no llamar la atención. También creo que eso se relaciona con la generosidad, una generosidad de espíritu en términos de darlo todo por tu práctica.

PALABRAS: Gacela Mba

Esta función se publicó originalmente en la edición F/W 2023 de Fact, que está disponible para comprar. élre.

Lea a continuación: Entrevista: Freeka Tet